“A medida del mundo” es el título que agrupa el proyecto de esta exposición individual de la artista Asunción Lozano, comisariada por Fernando Barrionuevo, que nace de una idea central: la necesidad de repensar el modo en que nuestros cuerpos median con el ecosistema que nos rodea. En la exposición que se presenta en MECA Mediterráneo Centro Artístico, del 8 al 28 de noviembre, se muestran fotografías, pinturas y objetos de medición, dispuestos como fragmentos de una narrativa que relaciona cada pieza como parte de un todo.

En primer lugar, las fotografías impresas a tamaño natural, funcionan como un parlamento de las cosas en el que se ponen en contacto: objetos, espacios y cuerpos, tratando de dimensionar cuantitativamente el espacio que queda entre los mismos. Las fotografías son acompañadas de piezas escultóricas construidas con fragmentos de las clásicas reglas de madera extensibles usadas por los carpinteros para el traslado de distancias. Las formas resultantes señalan el espacio relacional a través de valores numéricos, objetivos, equiparables en arbitrariedad respecto al usado por un sistema de medición reglado según las normas internacionales vigentes.

El protagonismo lo toman arboretum 1 y 2, dos piezas pictóricas de gran formato en donde se reconocen dos tipologías de árboles muy distintos entre sí en aspecto, forma y estructura. Sabemos que la estructura y la forma de un árbol, al igual que la de cualquier planta, viene determinada por las circunstancias particulares de su ecosistema, factores externos ambientales en los procesos de crecimiento, así como la codificación del material genético propio de su especie. A esta posible vinculación determinista con respecto a su apariencia, se le ha aplicado un sistema de medida igualmente arbitrario del que también participan todas las piezas de la exposición.

A lo largo de la historia de la humanidad los instrumentos de medición nos han permitido cuantificar minuciosamente todo lo que nos rodea para comprender lo que llamamos realidad objetiva. Los sistemas de medición estandarizados han conseguido mapear el mundo a nuestra escala humana. Creemos organizar con precisión la dimensión física de las cosas, sus aspectos tangibles y materiales como el tamaño, peso, longitud, estructura y volumen. Podemos medir el mundo de forma técnica, teniendo en cuenta aspectos geográficos, distancias, dimensiones o fenómenos físicos. Incluso comparar los objetos entre sí, calibrar la proporción, la simetría o el volumen. El instinto de cuantificar el mundo nos ha llevado a establecer reglas y sistemas de medida, pero también categorías y comparaciones. Este trabajo busca pensar e interrogar las razones por las que los seres humanos necesitamos estructurar, ordenar y clasificar nuestro mundo circundante. 

La exposición revisa esta premisa destacando la relación que establecemos como sujetos con los objetos y lugares que pensamos trascendentes y necesarios, elementos que nos acompañan en nuestra rutina diaria y que pasan desapercibidos por la ciencia y el conocimiento. La exposición propone otra manera de cuantificar el mundo ampliando la perspectiva como método, ideando un sistema de observación que abarque formas, fenómenos y relaciones que importan en nuestra experiencia cotidiana. En el proceso de preparación del proyecto se ha seguido la estrategia de no querer conocer del todo para seguir conservando el extrañamiento como objetivo último. Idear desde el arte reglas para medir el mundo sugiere una aproximación a un concepto más amplio y filosófico que el que abarca la ciencia tradicional. Se requieren nuevos estándares de medición a la hora de valorar el mundo desde perspectivas subjetivas o emocionales. Aún nos cuesta medir con precisión lo intangible que constituye el amplio espectro de experiencias que nos hacen humanos. No existe una vara de medir la emoción, la inquietud, el dolor o la satisfacción.

Los artefactos que se muestran en measurement rules, no solo están allí para ser observados pasivamente, sino que nos inducen a actuar como mediadores que pueden llegar a transformar nuestras interacciones sociales en el espacio expositivo. En 2005, Bruno Latour escribió Reassembling the Social, donde señala que la realidad social se construye a través de las interacciones y las traducciones que ocurren en estas redes. Esta perspectiva redefine cómo entendemos la naturaleza de lo social, ya que implica que los objetos, los instrumentos técnicos, o incluso los espacios, pueden influir y transformar los vínculos. Las herramientas de measurement presentes en la exposición, podrían entenderse como “actantes” que sugieren una participación activa del espectador o un proceso de mediación, como agentes de un sistema de correspondencias en el que actúan, dejan rastros, trazan redes y mantienen la capacidad de afectar y ser afectados. La piedra del suelo que pisamos, un árbol solitario, una sombra proyectada, una nube pasajera, todo conforma la agencia de los objetos. Todo lo que modifica un estado de cosas, actúa. Desde esta perspectiva, todas las interacciones facilitan conexiones, experiencias sensibles con el cuerpo o con cada vida, ya sea animal, vegetal, humana, mineral o de las cosas. Y entender el mundo desde esa complejidad supone enfatizar la idea de un nudo de líneas que se entrelazan unas con otras. Nudo como principio de unión de los seres en el mundo y la manera como éste se constituye y crece, dando origen a una malla como conjunto de vidas o líneas entrelazadas. Representando la totalidad de los elementos y fenómenos que componen el mundo, en su infinita diversidad. Se trata de entender la multiplicidad, y de cómo cada cosa, por mínima que sea, forma parte del todo.

El artista Modhir Ahmed, representado en España por MECA Mediterráneo Centro Artístico presenta la exposición individual “Órgiva” en Suecia, en la galería sueca Svarta Gran, en Borlänge (Dalama). La exposición incluye su trabajo más reciente, realizado durante su participación en la residencia internacional de artistas K15, organizada por MECA bajo la dirección de Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, en Órgiva, en la Alpujarra de Granada.

En esta nueva serie, Ahmed explora las relaciones formales entre la naturaleza y el paisaje, destacándose por su capacidad de fusionar elementos abstractos y figurativos. Las obras, caracterizadas por una vibrante paleta cromática y una riqueza de texturas, capturan la esencia del espectacular entorno natural de Órgiva, donde las montañas se elevan imponentes en el paisaje y la luz crea patrones en constante transformación.

La exposición Órgiva no es solo un reflejo de un lugar físico, sino una investigación filosófica sobre los límites invisibles del espacio y la mente. A través de este trabajo, Modhir Ahmed nos lleva en un viaje introspectivo, utilizando el paisaje como medio para explorar los aspectos más sutiles y efímeros de la existencia. Las piezas transmiten una profunda sensación de arraigo en un mundo en constante movimiento, tanto en su dimensión externa como interna.

El artista invita al espectador a meditar sobre cómo la presencia de un lugar puede despertar una comprensión más profunda del tiempo, la luz y la vida. Color y forma se despliegan como símbolos que trascienden lo visible, intentando capturar la simultaneidad entre lo efímero y lo eterno. Los elementos esenciales del paisaje de Órgiva —la serenidad de las montañas, la dinámica del cielo y el juego de sombras— actúan como metáforas de la experiencia humana, en la que cada forma resuena con ecos del pasado y señala hacia el futuro.

The artist Modhir Ahmed, represented in Spain by MECA Mediterráneo Centro Artístico, presents the solo exhibition “Órgiva” in Sweden, at the Swedish gallery Svarta Gran, in Borlänge (Dalarna). The exhibition includes his most recent work, created during his participation in the K15 international artists' residency organized by MECA under the direction of Fernando Barrionuevo and Rosa Muñoz Bustamante, in Los Tablones, Órgiva, in the Alpujarra region of Granada.

In this new series, Ahmed explores the formal relationships between nature and landscape, distinguished by his ability to blend abstract and figurative elements. The works, characterized by a vibrant color palette and a richness of textures, capture the essence of the spectacular natural environment of Órgiva, where the mountains rise majestically in the landscape and light creates patterns in constant transformation.

The Órgiva exhibition is not just a reflection of a physical place, but a philosophical inquiry into the invisible boundaries of space and mind. Through this work, Modhir Ahmed takes us on an introspective journey, using the landscape as a medium to explore the more subtle and ephemeral aspects of existence. The pieces convey a profound sense of rootedness in a constantly moving world, both in its external and internal dimensions.

The artist invites the viewer to meditate on how the presence of a place can awaken a deeper understanding of time, light, and life. Color and form unfold as symbols that transcend the visible, attempting to capture the simultaneity between the ephemeral and the eternal. The essential elements of the Órgiva landscape—the serenity of the mountains, the dynamism of the sky, and the play of shadows—act as metaphors for the human experience, where each form resonates with echoes of the past and points towards the future.

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