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EXPOSICIÓN A MEDIDA DEL MUNDO DE ASUNCIÓN LOZANO

Inauguración 8 de noviembre a las 20 h

“A medida del mundo” es el título que agrupa el proyecto de esta exposición individual de la artista Asunción Lozano, comisariada por Fernando Barrionuevo, que nace de una idea central: la necesidad de repensar el modo en que nuestros cuerpos median con el ecosistema que nos rodea. En la exposición que se presenta en MECA Mediterráneo Centro Artístico, del 8 al 28 de noviembre, se muestran fotografías, pinturas y objetos de medición, dispuestos como fragmentos de una narrativa que relaciona cada pieza como parte de un todo.

 

En primer lugar, las fotografías impresas a tamaño natural, funcionan como un parlamento de las cosas en el que se ponen en contacto: objetos, espacios y cuerpos, tratando de dimensionar cuantitativamente el espacio que queda entre los mismos. Las fotografías son acompañadas de piezas escultóricas construidas con fragmentos de las clásicas reglas de madera extensibles usadas por los carpinteros para el traslado de distancias. Las formas resultantes señalan el espacio relacional a través de valores numéricos, objetivos, equiparables en arbitrariedad respecto al usado por un sistema de medición reglado según las normas internacionales vigentes.

 

El protagonismo lo toman arboretum 1 y 2, dos piezas pictóricas de gran formato en donde se reconocen dos tipologías de árboles muy distintos entre sí en aspecto, forma y estructura. Sabemos que la estructura y la forma de un árbol, al igual que la de cualquier planta, viene determinada por las circunstancias particulares de su ecosistema, factores externos ambientales en los procesos de crecimiento, así como la codificación del material genético propio de su especie. A esta posible vinculación determinista con respecto a su apariencia, se le ha aplicado un sistema de medida igualmente arbitrario del que también participan todas las piezas de la exposición.

 

A lo largo de la historia de la humanidad los instrumentos de medición nos han permitido cuantificar minuciosamente todo lo que nos rodea para comprender lo que llamamos realidad objetiva. Los sistemas de medición estandarizados han conseguido mapear el mundo a nuestra escala humana. Creemos organizar con precisión la dimensión física de las cosas, sus aspectos tangibles y materiales como el tamaño, peso, longitud, estructura y volumen. Podemos medir el mundo de forma técnica, teniendo en cuenta aspectos geográficos, distancias, dimensiones o fenómenos físicos. Incluso comparar los objetos entre sí, calibrar la proporción, la simetría o el volumen. El instinto de cuantificar el mundo nos ha llevado a establecer reglas y sistemas de medida, pero también categorías y comparaciones. Este trabajo busca pensar e interrogar las razones por las que los seres humanos necesitamos estructurar, ordenar y clasificar nuestro mundo circundante. 

 

La exposición revisa esta premisa destacando la relación que establecemos como sujetos con los objetos y lugares que pensamos trascendentes y necesarios, elementos que nos acompañan en nuestra rutina diaria y que pasan desapercibidos por la ciencia y el conocimiento. La exposición propone otra manera de cuantificar el mundo ampliando la perspectiva como método, ideando un sistema de observación que abarque formas, fenómenos y relaciones que importan en nuestra experiencia cotidiana. En el proceso de preparación del proyecto se ha seguido la estrategia de no querer conocer del todo para seguir conservando el extrañamiento como objetivo último. Idear desde el arte reglas para medir el mundo sugiere una aproximación a un concepto más amplio y filosófico que el que abarca la ciencia tradicional. Se requieren nuevos estándares de medición a la hora de valorar el mundo desde perspectivas subjetivas o emocionales. Aún nos cuesta medir con precisión lo intangible que constituye el amplio espectro de experiencias que nos hacen humanos. No existe una vara de medir la emoción, la inquietud, el dolor o la satisfacción.

 

Los artefactos que se muestran en measurement rules, no solo están allí para ser observados pasivamente, sino que nos inducen a actuar como mediadores que pueden llegar a transformar nuestras interacciones sociales en el espacio expositivo. En 2005, Bruno Latour escribió Reassembling the Social, donde señala que la realidad social se construye a través de las interacciones y las traducciones que ocurren en estas redes. Esta perspectiva redefine cómo entendemos la naturaleza de lo social, ya que implica que los objetos, los instrumentos técnicos, o incluso los espacios, pueden influir y transformar los vínculos. Las herramientas de measurement presentes en la exposición, podrían entenderse como “actantes” que sugieren una participación activa del espectador o un proceso de mediación, como agentes de un sistema de correspondencias en el que actúan, dejan rastros, trazan redes y mantienen la capacidad de afectar y ser afectados. La piedra del suelo que pisamos, un árbol solitario, una sombra proyectada, una nube pasajera, todo conforma la agencia de los objetos. Todo lo que modifica un estado de cosas, actúa. Desde esta perspectiva, todas las interacciones facilitan conexiones, experiencias sensibles con el cuerpo o con cada vida, ya sea animal, vegetal, humana, mineral o de las cosas. Y entender el mundo desde esa complejidad supone enfatizar la idea de un nudo de líneas que se entrelazan unas con otras. Nudo como principio de unión de los seres en el mundo y la manera como éste se constituye y crece, dando origen a una malla como conjunto de vidas o líneas entrelazadas. Representando la totalidad de los elementos y fenómenos que componen el mundo, en su infinita diversidad. Se trata de entender la multiplicidad, y de cómo cada cosa, por mínima que sea, forma parte del todo.

BIOGRAFIA

Asunción Lozano es artista visual y profesora en el Departamento de Pintura en la Universidad de Granada. Su práctica artística tiene carácter multidisciplinar, abordando la pintura, la escultura, la instalación y la fotografía desde líneas transversales de investigación que exploran temas como el Cuerpo, la Identidad, el Territorio o la Naturaleza.

Sus últimos proyectos van dirigidos a la creación de sistemas de medida alternativos con el objetivo de poner en valor los entornos naturales y los ecosistemas cercanos.


NIGHT & DAY DE FRANCISCO UCEDA Y CRISTÓBA C. CASSINELLO

EN LA ESCUELA DE ARTE CARLOS PÉREZ SIQUIER

Inauguración 29 de noviembre a las 17.30 h

La exposición Night & Day de los fotógrafos Francisco Uceda y Cristóbal C. Cassinello, llega para transformar el corazón cultural de Almería. Del 29 de noviembre al 20 de diciembre, la Escuela de Arte y Superior Carlos Pérez Siquier será el escenario donde 60 fotografías tejen un diálogo visual único entre Nueva York y Almería, entre la luz y la oscuridad, entre la noche y el día.

 

El 29 de noviembre, a las 17:30h, los autores presentarán en primicia el libro Night & Day, el sexto volumen de la prestigiosa colección Cámara Lúcida. Acompañados de figuras clave del ámbito cultural, como Miguel Gallego Roca, (director de la Editorial de la Universidad de Almería, Edual), Fernando Barrionuevo (director de MECA Mediterráneo Centro Artístico) y Asunción Lozano (doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada), desentrañarán los detalles de este proyecto visual que trasciende fronteras.

 

Este libro no solo es un homenaje a la fotografía, sino una exploración profunda sobre el impacto de la sombra, la luz y la introspección. Además, cabe destacar las aportaciones de Alfredo Oliva Delgado (Doctor en psicología evolutiva y educación de la Universidad de Sevilla), y Pablo Juliá (presidente de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz), que cierran la propuesta con ambos ensayos sobre el libro. Posteriormente a las 19:00h se inaugurará la exposición de fotografía en el Claustro Superior de la Escuela de Arte.

 

Un viaje visual que trasciende lo personal

 

Night & Day es una experiencia que conecta lo tangible y con lo emocional. Uceda y Cassinello, a través de la autosombra como protagonista, crean imágenes que hablan de identidad, paisaje y humanidad. Las siluetas proyectadas sobre fondos urbanos y naturales convierten cada toma en un escenario único. La obra combina elementos de la fotografía conceptual, el cine negro y el surrealismo, ofreciendo una narrativa visual cautivadora. El psicólogo Alfredo Oliva Delgado, en su ensayo Hijas de la luz, describe cómo la sombra se convierte en un recurso central. Para él, las imágenes de Night & Day juegan con los contrastes y texturas para reflejar no solo el entorno, sino también la presencia efímera del fotógrafo en él. Por otro lado, Pablo Juliá, define esta obra como una indagación en la que la sombra es tanto un recurso narrativo como un vehículo de autoconocimiento.

 

Con el apoyo de MECA Mediterráneo Centro Artístico y la Universidad de Almería, Night & Day se suma al legado de Cámara Lúcida, una colección que ha acogido a grandes figuras como Carlos Pérez Siquier y Manuel Falces. Este proyecto no solo celebra el poder de la imagen, sino que abre puertas a nuevos caminos de exploración visual y personal. Night & Day es una propuesta que desafía nuestras percepciones, conecta lo íntimo con lo universal y nos invita a reflexionar sobre la sombra que todos llevamos dentro. Invitamos a todos los amantes de la fotografía y el arte a sumergirse en esta experiencia única.

 


El artista Modhir Ahmed presenta la exposición individual “Órgiva” en Suecia

Galería Svarta Gran, Borlänge (Dalama)

16 de noviembre 2024 al 18 de enero 2025

El artista Modhir Ahmed, representado en España por MECA Mediterráneo Centro Artístico presenta la exposición individual “Órgiva” en Suecia, en la galería sueca Svarta Gran, en Borlänge. Esta muestra reúne su trabajo más reciente, creado durante sus numerosas estancias en la Residencia Internacional de Arte Contemporáneo K15 de MECA, dirigida por Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante, en Los Tablones, Órgiva, en la Alpujarra Granadina.

 

 

En esta nueva serie, Ahmed explora las relaciones formales entre la naturaleza y el paisaje, destacándose por su capacidad de fusionar elementos abstractos y figurativos. Las obras, caracterizadas por una vibrante paleta cromática y una riqueza de texturas, capturan la esencia del espectacular entorno natural de Órgiva, donde las montañas se elevan imponentes en el paisaje y la luz crea patrones en constante transformación.

 

La exposición Órgiva no es solo un reflejo de un lugar físico, sino una investigación filosófica sobre los límites invisibles del espacio y la mente. A través de este trabajo, Modhir Ahmed nos lleva en un viaje introspectivo, utilizando el paisaje como medio para explorar los aspectos más sutiles y efímeros de la existencia. Las piezas transmiten una profunda sensación de arraigo en un mundo en constante movimiento, tanto en su dimensión externa como interna.

 

 

El artista invita al espectador a meditar sobre cómo la presencia de un lugar puede despertar una comprensión más profunda del tiempo, la luz y la vida. Color y forma se despliegan como símbolos que trascienden lo visible, intentando capturar la simultaneidad entre lo efímero y lo eterno. Los elementos esenciales del paisaje de Órgiva —la serenidad de las montañas, la dinámica del cielo y el juego de sombras— actúan como metáforas de la experiencia humana, en la que cada forma resuena con ecos del pasado y señala hacia el futuro.


The artist Modhir Ahmed, represented in Spain by MECA Mediterráneo Centro Artístico, presents his solo exhibition "Órgiva" at the Swedish gallery Svarta Gran in Borlänge. This exhibition features his latest work, created during his numerous stays at MECA's K15 International Contemporary Art Residency, directed by Fernando Barrionuevo and Rosa Muñoz Bustamante, in Los Tablones, Órgiva, in the Alpujarra of Granada.

 

In this new series, Ahmed explores the formal relationships between nature and landscape, distinguished by his ability to blend abstract and figurative elements. The works, characterized by a vibrant color palette and a richness of textures, capture the essence of the spectacular natural environment of Órgiva, where the mountains rise majestically in the landscape and light creates patterns in constant transformation.

 

The Órgiva exhibition is not just a reflection of a physical place, but a philosophical inquiry into the invisible boundaries of space and mind. Through this work, Modhir Ahmed takes us on an introspective journey, using the landscape as a medium to explore the more subtle and ephemeral aspects of existence. The pieces convey a profound sense of rootedness in a constantly moving world, both in its external and internal dimensions.

 

The artist invites the viewer to meditate on how the presence of a place can awaken a deeper understanding of time, light, and life. Color and form unfold as symbols that transcend the visible, attempting to capture the simultaneity between the ephemeral and the eternal. The essential elements of the Órgiva landscape—the serenity of the mountains, the dynamism of the sky, and the play of shadows—act as metaphors for the human experience, where each form resonates with echoes of the past and points towards the future.

 


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