FERNANDO BAÑOS
Apartándonos de las típicas primeras preguntas que se hacen a un artista, de por qué y cuando elegiste ser artista, ya que es evidente que si estás en este
programa es porque un día decidiste encauzar tu vida en el mundo del arte, nos gustaría saber ¿ en qué momento te encuentras actualmente, desde el punto de vista artístico ?. ¿ Cómo nos
resumirías tu evolución artística desde que comenzaste hasta la fecha actual ?
Como la mayoría de los que tomamos la decisión de incorporarnos a este complicado pero fascinante mundo de la creación artística, comencé bebiendo de las fuentes impresionistas, fauves o cubistas, fue breve, y duro el tiempo que estuve en la escuela de Artes y Oficios de Sevilla, donde también estudie, de forma paralela, Diseño de Interiores e Industrial, el cual he desarrollado, parejo a mi actividad artística.
Poco después de terminar los estudios, me empezaron a interesar las nuevas tendencias que se hacían en España e internacionalmente: el Art Brut, el Expresionismo Abstracto de la Escuela de Nueva York y sobre todo los grupos españoles Dau al Set barcelonés y el madrileño El Paso; artistas como Tapies, Cuixart, Millares, junto a otros internacionales: Burri, Dubuffet, Kline o los americanos Jasper Johns, Rauschemberg o Jackson Pollok, entre otros, influenciado por ellos hice mi primera individual en una galería, a comienzos de los ’70 y que pertenecía al Club La Rábida de Sevilla, por la cual habían pasado artistas, de la talla de Carmen Laffón o Luis Gordillo; allí expuse dibujos y una obra de mediano y gran formato, donde primaban las texturas y los objetos extra pictóricos que incorporaba, quizás por influencia de J. Johns y Tapies principalmente, también incorpore madejas de alambres, que salían agresivamente de la superficie de la obra, dándole una impronta muy personal, pienso que esa composición de alambres, va a influir posteriormente en mi obra de forma morfológica, recurriendo a ella, en distintos momentos de mi trayectoria, su uso más cercano coincidió con el descubrimiento del Pop Art, - Warhol, Lischtentein…-,el cual me hace salir de la pintura textural, para investigar en un camino de formas recortadas y equilibradas, que dará lugar a la serie Tripas, la cual recuerda esos alambres citados por su intrincada composición, dichas obras irán al Palacio de Cristal de Madrid pasando después a la colección del MEAC ; la Galería Juana de Aizpuru de Sevilla también incluyó la obra en una importante colectiva: “Sobre el Barroco”.
Desde esos primeros arranques, mi obra se ha situado por mi parte, en el terreno de la investigación, tanto formal como técnicamente y sobre todo conceptualmente, he visto interesante todos los movimientos artísticos del pasado siglo: el Accionismo Vienes, el Constructivismo, los Merz de Schwitters y sus collages, Duchamp y sus ready made, el Body Art de Yves Klein, el Land Art de Richard Long o las vivas y ruidosas esculturas de Jean Tinguely; con semejantes lecciones mi obra ha ido evolucionando a caballo entre una abstracción geométrica y una figuración simbólica con grandes dosis de ironía, actualmente mi trabajo se encamina a un cierto minimalismo, que sintoniza conceptualmente con la obra de Barnett Newman o Ellsworth Kelly.
Emoción, pasión, sentimentalidad, racionalidad, ética o estética son conceptos que normalmente los artistas quieren transmitir con sus obras. En tu caso además de
algunos de éstos ¿ quieres ahondar en más contenidos ? ¿ Qué te motiva para comenzar una obra, una serie ?
Decía Marc Chagall que “el Arte es sobre todo, un estado del alma”, yo añadiría, que adobado por nuestra historia personal, nuestra experimentación de vida, nuestras ideas, el ego que todos padecemos, y sobre todo por el análisis reflexivo de nuestra situación vital en el momento que desarrollamos la obra y donde.
Para mí la obra nace de forma fortuita, pero motivada por una sensación necesaria de transmitir un concepto o idea que como una chispa, surge en el coco y que tras madurarse cierto periodo de tiempo, -quizás en mi caso la consulta con la almohada, tenga mucho de culpa, ya que es mi laboratorio de ideas, el silencio de la noche, la oscuridad, que no te distrae con detalles visuales intrascendentes, etc.- lucha por salir físicamente a la superficie traducida técnicamente por medio de la pintura, la escultura, la instalación, la obra gráfica o incluso la fotografía.
Es importante para mí, que el concepto, tanto como forma morfológica, tenga también un sentido dialectico, un discurso que motive la obra, que la haga creíble a mi yo más íntimo, visceral y racional, ya que la lucha de los opuestos está siempre presente en mi carácter y por lo tanto en mi obra, lo emocional pugna siempre en mi caso con la estructuración de la obra, el color, con su falta de el, el gesto de la mancha o dripping con el trazado recto o curvo pero recortado y contrastado, en fin esa dicotomía es mi lucha diaria frente a la obra que en ese momento realizo.
¿Los movimientos artísticos se han bloqueado o están en pleno proceso de desarrollo? ¿ Cuál es tu opinión y en qué lugar te
encuentras ?
Para mí, los movimientos artísticos, quedaron anclados al pasado siglo, quizás en él, todavía se miraba más el concepto de tendencia, de familia bien avenida, las afinidades en cuanto a ideas y técnicas se acercaban más, quizás, debido a la falta de información, eso hacía a mi modo de ver, la familiaridad con que se acercaban los artistas unos a otros morfológicamente, creándose esos movimientos; no existía el ordenador, ni el móvil, ni otros elementos extraterrestres, que están invadiendo nuestra intimidad y nuestras relaciones con el prójimo; gracias a estos movimientos y como decía al principio, me he podido nutrir de sus enseñanzas, sus experiencias o sus inquietudes, que muchas veces coinciden con las mías, allanando conceptualmente mi camino hacia la obra que actualmente realizo la cual como dije se acerca a un renovado minimalismo, con la serie Lacerias.
No obstante, pienso, que aunque en nuestro endémico siglo XXI, no existan movimientos o tendencias “clásicas” a la manera de las anteriores citadas, existen otras formas de expresión, dentro de las nuevas tecnologías, que igualmente han recogido el testigo del Video Art, la performance, las instalaciones; artistas como Anish Kapoor con sus instalaciones de cera roja o sus impresionantes espejos cóncavos, Tony Oursler con sus irónicas proyecciones de extrañas caras sobre cojines o el polémico Damien Hirst con su “industria artesanal” de bichos muertos, son ejemplos vivos de la evolución que socialmente ha tenido el arte de nuestros días, donde la individualidad prima sobre tendencias y estilos.
¿ Verdaderamente interactúas con el público ?. ¿ Piensas en él cuando concibes un proyecto expositivo. El público forma parte de tu imaginario a lo largo del desarrollo de tu trabajo ? ¿
Quién es tu mejor crítico ?
Empezando por la última pregunta de este apartado, algo tópica, la respuesta es igualmente tópica: creo que uno mismo, es el mejor critico que uno puede tener, siempre que el ombligo no esté a la vista, todo no vale; algunas veces he visto exposiciones donde se exhibían bocetos que no le hacían ningún favor a la obra final, (Lischtentein en Juan March) y que se podía haber prescindido de ellos, archivándose en la papelera, eso desde luego, debe decidirlo y valorarlo el autor; como si se trata de una obra malograda, ¿para que guardarla? teniendo “la fábrica abierta” y pudiendo desarrollar nuevas obras sobre esos errores, yo he tirados muchos papeles y más de un cuadro (o lo he reciclado) porque no nos habíamos puesto de acuerdo “la producción con la redacción”.
Creo firmemente que el Arte es un lenguaje y como tal los artistas lo emplean, a forma de abecedario para comunicarse con el personal, sea receptivo o no, por lo tanto la interactuación con el público nos interesa a todos, ya que si no lo hay, se convierte en una lengua muerta; otra cosa es que se piense continuamente en la opinión general de ese público, la cual a mí me da igual, siempre, como decía Bruno Munari, habrá un mínimo de personas que lo entiendan.
En una serie anterior llamada Esporas, sí, busqué directamente esa conexión con el público, ya que realicé todo un repertorio de formas orgánicas abstractas, recortadas en espejo, donde las personas, se reflejaban e incluían de forma poética, dentro de la imagen de la obra, ahí si me interesó esa interactuación, sin la cual, la obra habría perdido su sentido conceptual.
¿ Te diferencia en algo vivir en Andalucía, con respecto a otros artistas de otras regiones o países? ¿ Cuál es tu conexión con ellos ?
Andalucía ha dado los mejores artistas, empezando por Velázquez y terminando por Luis Gordillo, Carmen Laffón o Pérez Villalta, resumiendo al máximo, por lo tanto vivir en Andalucía es un lujo, al cual no he querido nunca renunciar. El Arte siempre ha sido universal y ahora global, gracias a Internet, por lo tanto, el hecho de las diferencias en la forma de hacer de un andaluz, con respecto a un americano por ejemplo, tiene simplemente que ver con su situación social, su forma de pensar, si es académica o experimental, la influencia de los medios, la ración de cultura que tenga, etc.; pienso que el medio geográfico no tiene una gran influencia en los países desarrollados, si, pude tenerla en otros países, donde pese mucho lo político y lo social, donde el peso de las situaciones, influyan en los conceptos que desarrollen, los artistas autóctonos de cada país conflictivo.
La artista afro americana Kara Walker, por ejemplo, explora la raza, el género, la violencia y la identidad en sus trabajos, los desarrolla, utilizando una especie de teatro de guiñol de sombras, donde la raza negra, es irónicamente vilipendiada, recordando momentos de esclavitud.
En cuanto a mi conexión con otros artistas o países, es puro You Tube, ahí vigilo tendencias y otras formas de entender el Arte a nivel internacional, siguiendo exposiciones y evoluciones de conceptos, que pudieran estar cercanos a los míos.
¿ Cómo es tu estudio o taller ? ¿ Cómo planificas el desarrollo de tus obras ? . Aquí quiero que ahondes en el tiempo, en el proceso, en las influencias y en la
propia morfología de tu lugar de trabajo.
Vivo en una urbanización tranquila, donde solo hay tres calles, aquí en un chalet pareado tengo mis estudios, y digo mis estudios porque según qué obra ejecute, trabajo en el sótano, donde tengo un tórculo para estampar grabados que hago de vez en cuando, ya que mi sistema de estampación es la serigrafía, la cual la estudie por la Escuela Mater de Barcelona, hace ya más de cuarenta años y con dicha técnica he realizado muchísimas ediciones, parte de las cuales se encuentran en La Calcografía Nacional de Madrid; ahora ando en un proyecto de cuatro serigrafías con collages de base, tomando como pretexto Los Poemas Prohibidos de Baudelaire –ya que el collage siempre me ha interesado, acabo de terminar una serie de ellos, dentro de la serie Lacerias-, también pinto en este espacio, teniéndolo como “zona sucia” al no importar manchar el suelo, además funciona como almacén, aquí voy, cada vez con más trabajo, buscando sitio para las obras que voy terminando y que no están de “gira”.
En la zona de azotea tengo otro estudio alargado, con mucha luz natural,- “el estudio limpio”- donde tengo un tablero de dibujo, un mueble planero donde guardo tropecientos mil dibujos y parte de la gráfica así como una mesa donde reina un gran desorden organizado, con notas, bocetos improvisados, blocs y un ordenador, con el cual me organizo y consigo ahorrar tiempo en el proyecto de mis obras; a parte de la cama, como decía al principio, es el lugar donde suelo consolidar las ideas, acompañado de música habitualmente: Satie, Debussy, Mozart, pero también Mike Oldfield, Michael Nyman o música de jazz, también tengo un gran mueble vitrina estantería donde además de mis libros de arte, guardo toda una colección de recuerdos con los que se podría confeccionar mi biografía: un lagarto de Fez para el mal de ojo, una maquina estereoscópica para ver fotos en relieve, trocitos de piedra del Valle de los Reyes de Egipto, foto de la primera galería que montamos entre mi mujer Carmen Carmona y yo en Sevilla junto al desaparecido Paco Molina, una hoja de un árbol de Chelsea, de la zona de galerías de Nueva York, una lito de Tatafiore, o una careta veneciana plateada de los médicos de la peste, entre otras ciento de cosas, todo esto junto a una colección de obras de Chillida, Susana Solano, un espléndido Guerrero, Soledad Sevilla, Lucio Muñoz o un increíble grabado de Pierre Collin; aquí es donde cuezo las ideas a fuego lento, (no utilizo el microondas) donde proyecto mis series, donde consulto datos y donde me relajo leyendo, oyendo música o simplemente pensando, aunque esto último sea doloroso para algunas mentes, que solo piensan, a través de los aires que mejor soplen.
Últimamente, he extendido mis zonas de estudio al jardín, ya que la obra que he preparado para Territorio Sur,- proyecto de MECA para el Museo de Almería-, mide cuatro metros y no había forma de hacerlo en ningún sitio, así que ha sido toda una experiencia, trabajar en este nuevo “espacio natural”, robado a las plantas, las cuales, creo, que hasta me lo han agradecido.