MECA Mediterráneo Centro Artístico presenta FACTORÍA VIDA. Espacio Experimental de Creación Contemporánea

FACTORÍA VIDA es un programa de encuentro entre artistas profesionales que se desarrollará los días 15 y 16 de diciembre de 2023, bajo dos formatos: por un lado el desarrollo de Ideas, conceptos y bocetos originales y nuevos para la proyección de futuras obras (que se producirán o no) a través de acciones creativas individuales elaboradas en micro laboratorios de creación (Microlabs) pero compartidas en convivencia y diálogos y por otro la exposición de los proyectos elaborados por cada artista y el video documental de todo el recorrido creativo.

Se trata de establecer un espacio que contribuya a la inspiración, motivación y convivencia entre los 10 artistas participantes, teniendo en cuenta además el entorno en el que se va a desarrollar, en plena Alpujarra Granadina, concretamente en la capital de la misma, Órgiva. Un espacio, K15, Arte Contemporáneo que MECA ha puesto en marcha como espacio de exploración y experimentación, así como de convivencia en torno al arte contemporáneo, la naturaleza y la tranquilidad en la pedanía de Los Tablones de dicha localidad.

FACTORÍA VIDA es un proyecto integral de espacios de arte contemporáneo, exposición efímera y virtual de los bocetos desarrollados y encuentros de voz y acción, a través del cual se pretende lograr un objetivo fundamental: dar voz visual a las experiencias propias directas o indirectas de los artistas participantes, de sus percepciones y/o vivencias para el desarrollo de su vida artística profesional, así como compartir los procesos creativos entre todos ellos en diferentes disciplinas.

Con FACTORÍA VIDA vamos a fomentar y dinamizar la convivencia de los artistas en contextos artísticos sosegados en los que la propia identidad artística contribuye a generar ecosistemas creativos desde el origen. Se trata de un proyecto de exploración creativa conductor hacia la aceptación y construcción de nuevos lenguajes ante nuevos contextos glocales.

Buscar la racionalidad o la explicación procesual de la obra de arte es arriesgarse a perder la esencia del pensamiento simbólico que de cada uno de los artistas emerge de manera generosa  para arraigarse  a mostrarla desde sus inicios hasta configurar una obra final.  Y si entendemos que estamos inmersos en  una cultura simbólica nos dejaremos llevar hacia la completa individuación. El artista favorece plenamente esos caminos, sin preámbulos ni disquisiciones. Por lo tanto, FACTORÍA VIDA es ese lugar de descubrimiento de nuevas capacidades en el que el arte contemporáneo parte como punto de confluencia de talentos.

Durante la celebración de FACTORÍA VIDA, celebraremos charlas en las que con la modalidad de Luncheon Meeting los artistas participantes establecerán un coloquio en el que hablarán sobre sus experiencias, puntos de vista y perspectivas sobre el arte contemporáneo con el objetivo de buscar puntos comunes e intercambiar conocimientos para validar nuevas propuestas de cooperación alternativas.

Una vez finalizado el encuentro se presentarán en formato exposición efímera los bocetos de los artistas participantes que en función de sus decisiones se podrá configurar una exposición final con sus obras definitivas.

ARTISTAS: Asunción Lozano, Beatriz Coto y Santi Lara (Colectivo Laramascoto), Juan Morante, María Dolores Gallego, Pedro Osakar, Modhir Ahmed, Javier Flores, Fernando Barrionuevo y Moisés Belilty Molinos.

ASUNCIÓN LOZANO

Granada

Es licenciada en Bellas Artes y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Ejerce como Profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada desde 1995.

La obra se desarrolla en series y grupos diferenciados de trabajos. Su obra de carácter multidisciplinar abre líneas transversales de investigación centradas en el cuestionamiento del medio fotográfico, el espacio de representación de la fotografía en expansión a la instalación, el problema de la identidad y el territorio.

Ha celebrado más de 20 muestras individuales y alrededor de 100 muestras colectivas. Su obra se encuentra presente en colecciones e instituciones como la Colección L´Oreal España, Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Galerii Centrum, Nowohuckie Centrum Kultury, Kraków, así como en las colecciones de la Junta de Andalucía, Ayuntamiento de Vitoria, Museo de Navarra y Universidades de Jaén y de Granada. De entre las exposiciones se destacan “Phantasia. Photography is magic” en Culture Lab. Plaxall Gallery en Nueva York; “La Alhambra Interpretada”, en el Museo de Bellas Artes del Patronato de la Alhambra en Granada; “Post No Bills. Prohibido fijar carteles” en la Sala Siglo XXI, Museo de Huelva; “Citizens. Identity and Diference”, en la Happylucky no.1 Gallery, en Nueva York; “Mar Océano-Oceanum Mare” en Casa Pinillos en el Museo de Cádiz; “137 pasos y uno más” en la Sala Centro en Jaén; “30 times and 31 places” en el Nowohuckie Centrum Kultury de Cracovia, Polonia; “Arquitecturas de Papel” en la Sala Rekalde, en Bilbao; “Vigías” y “Lugares Comunes” en MECA. Centro Artístico del Mediterráneo. Almería; “Mundos Propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de hoy” en la Fundación Valentín de Madariaga en Sevilla; “Territorio Sur” y “Ars Visibilis III. Arte Contemporáneo de Mujeres Artistas” en MECA, Almería; “Acordes III” en la Sala Caja Granada en Granada y One Clover, and a Bee and Revery en Happylucky no.1 Gallery en Nueva York.

COLECTIVO LARAMASCOTO. BEATRIZ COTO Y SANTI LARA

Laramascoto es un colectivo de artistas formado por Beatriz Coto (Gijón, 1977), Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Santi Lara (Tomelloso, 1975), Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.

Han trabajado tanto la animación experimental como la instalación audiovisual entorno al dibujo expandido, experimentando con el recurso simbólico de las nuevas tecnologías. Han realizando exposiciones e intervenciones en instituciones nacionales e internacionales como la la New Media Gallery de Vancouver, la Bethanien Kunstraum Kreuzberg de Berlín, Proyecto Circo de La Habana, Óptica Festival, Foconorte, Lumen_ex, Intransit 2011, Circuito Berlín 012, Instituto Cervantes de Berlín, MAG de Elche y en Museos como el de Bellas Artes de Asturias, el CCAI de Gijón, el MuVim de Valencia, Museo Barjola de Gijón o el Museo San Ildefonso de México DF.

Han realizado una residencia de investigación artística en la Kunstlerhaus Glogauer de Berlín. Exhibido en Galerías como Rafael Pérez Hernando, Gema Llamazares, Liebre, Espacio Líquido, Guillermina Caicoya y participado en ferias como ARCO, Swab Barcelona, Arte Lisboa, Arte Santander, Mulafest, Just Madrid y elEstampa. Entre sus premios y becas se encuentran el “Premio joven JustMAG” de JustMAD, el Primer Premio de Arte40, la Beca AlNorte, el premio Ángel Andrade, la subvenciones del CCAI para el proyecto HombreMedicina de Senegal y «Animalium». espacios de reflexión y crítica.

JUAN MORANTE

Almería. Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada.

De sus eternos gestos lineales surgen de manera espontánea y reiterada estos troncos concéntricos inundados y como si de una tendencia se tratase de múltiples ventanas coloristas que nos dan a entender su deseo reiterado de encontrar y hacer partícipe al público de los múltiples lenguajes que cada uno de ellos esconde, a veces incluso nos lo desvela. La importancia está tanto en la forma como en el fondo.

Juan Morante aplica en su totalidad el concepto de Malevich de que la luz no parece ser el objetivo principal, sino un medio técnico que sirve para revelar lo conocido de la profundidad de las tinieblas.

Si buscamos alguna característica clara que identifique la obra de Morante es sin duda la evidencia de la búsqueda continua de la armonía entre el color y el ritmo. Así en esta serie el equilibrio cromático es lo que dota de coherencia al conjunto y se vislumbra claramente como esencia final de su fuero más interno.

MARÍA DOLORES GALLEGO

Torreperogil, Jaén. Reside en Granada

Artista visual Doctora en Historia y Artes con Mención Internacional por la Universidad de Granada – UGR (España) y miembro de la Unión de Artistas Visuales de Andalucía – uavA. Licenciada en Bellas Artes, Máster en Producción e Investigación en Arte y Máster en Dibujo por la misma universidad.

A lo largo de mi trayectoria he desarrollado un fértil vocabulario abstracto cercano al diseño. A través de la pintura, el dibujo y la instalación artística, utilizándolos como punto de partida y combinadamente, escenifico mi propio universo de violentos colores y efectos desorientadores, cuyos flujos abiertos tienen continuidad de un formato y elemento a otro creando la ilusión de un cosmos ingrávido y envolvente.

En los diversos proyectos artísticos llevados a cabo, la investigación y creación artística contemporánea me sirve como herramienta y medio visual para abordar, reflexionar, conocer, entender y/o visibilizar temas de interés personal y social hilvanados desde la autobiografía como son las identidades híbridas, los paisajes o territorios locales, el patrimonio heredado como inspiración, así como los tiempos líquidos y cambiantes actuales.

De este modo, desde 2008 hasta la actualidad, mi obra ha experimentado una evolución en paralelo a mi propio crecimiento personal, madurando y adquiriendo una identidad y lenguaje propio cuya mayor característica es el persistente uso de materiales y técnicas textiles como materiales propios de la pintura contemporánea y expandida, dejando claro que se puede dibujar con hilo y pintar con planos de tejido para crear obras de arte con las que expresar sentimientos y provocar la reflexión del espectador. La hibridación entre arte, artesanía y diseño, lo local y lo global, se respira en cada uno de mis proyectos abstractos de exultantes colores, en los que las piezas resultantes son vitales documentos de antropología visual que plantean de forma sutil la perspectiva de género, desde mi propia condición femenina y mediante la reivindicación de oficios artesanales tradicionalmente vinculados a las mujeres.

PEDRO OSAKAR

Pamplona-Iruña. Artista visual y profesor de la Universidad de Granada.

Licenciado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco en 1988. Doctor en Bellas Artes en la Universidad de Granada en 1993. En una estrecha relación con su obra personal publica los libros: El objeto artístico: Reflexión y método, de 1994 y La arquitectura del viaje, de 1995. Su trayectoria artística ha puesto de manifiesto desde un principio los temas principales de su investigación; el fenómeno del límite, la ambigüedad entre las tradicionales disciplinas del arte y el enfrentamiento a la tarea del arte desde un punto de vista fundamentalmente conceptual y antropológico. Podemos destacar sus últimas exposiciones individuales POST NO BILLS. Prohibido fijar carteles. Sala Siglo XXI. Museo de Huelva, 2019 y CITIZENS. Identity and difference. Gallery Happy Lucky N1. New York, 2018, junto a Asunción Lozano. De manera más reciente el trabajo con las imágenes ha dado paso a un mayor protagonismo del texto a través de letreros, señales y maquetas de espacios y lugares. La palabra escrita pasa a ocupar el lugar de la imagen. En todos estos años ha participado en un gran número de exposiciones colectivas con motivo de Muestras, Bienales y Certámenes. Ha recibido numerosos premios y distinciones y su obra se encuentra representada en colecciones públicas y privadas.

MODHIR AHMED 

Nacido en Bagdad, Irak , Modhir Ahmed ha vivido entre Polonia y Suecia. Licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Varsovia.

Fue director de The Print Workshop en Falun, Suecia  y en el año 2000 obtuvo el prestigioso premio Karlskoga Nobel Art Scholarship por toda su trayectoria profesional y su contribución internacional a las artes gráficas o la Medalla de Honor en la XIII International Small Graphic Forms de Polonia

Su carrera profesional la ha desarrollado en países como Polonia, Suecia, Estonia, Francia, Reino Unido, Egipto, Marruecos, Dubai o China

Su obsesión con lo natural y la abstracción es evidente en todos sus trabajos.

La integración de la geometría, el gesto, y la figuración es un intento de conectarse con lo inalcanzable, algo abstracto, algo que está más allá del lenguaje verbal.

La figura humana es la metáfora central de todo su arte.

No expresan situaciones concretas, pero dan vida expresiva a la abstracción geométrica y crean armonía o discordia.

Cuando Modhir Ahmed se ilumina, su arte lo sigue libremente y crea una obra de inmenso impacto. Para él, la libertad de jugar es un autoengaño necesario para su crecimiento creativo. Sus pinturas son intuitivas, pero meticulosamente refinadas. Un lenguaje visual que conmueve al espectador.

Durante mucho tiempo se han caracterizado por una técnica deliberadamente cruda e infantil con una estructura modernista combinada con elementos bidimensionales y la agitación a través del automatismo y casi en el umbral del minimalismo.

FERNANDO BARRIONUEVO

Artista. Comisario y Director de MECA Mediterráneo Centro Artístico. Académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de Granada

Hablar de Fernando es hablar de 40 años de trayectoria profesional tanto como artista, como comisario independiente y siempre enmarcado en el Arte Contemporáneo. Su obra, al igual que su vida es el reflejo más fiel y sutil sobre las reflexiones que de presencia y esencia hace sobre el ser humano, sobre la persona y que continuamente re evoluciona en su obra desde su juventud. Son muchas las cualidades que destacan en Fernando Barrionuevo, la primera quizá sea precisamente la de su continua pasión por incorporar la libertad creativa tanto en su obra como en sus trabajos organizativos, siendo consciente de la responsabilidad que esto supone. La fuerte expresión de sus trazos, más allá de un impulso gestual, se traduce en formas y colores transportados desde su privilegiada mente creativa. Todo lo que muestra en sus obras, desde grandes formatos hasta pequeñas anotaciones en sus numerosos cuadernos de dibujo, o esas maravillosas instalaciones cromáticas y de ensueño, no nacen de la casualidad, sino de la causalidad. Como él dice, ante una acción, reacción reflexiva, ante una evidencia injusta, la justicia, ante la sinrazón, la razón. Así son sus obras, desde el blanco y negro más puro hasta el color sumergido por los tonos de la naturaleza, la tan admirada sabia naturaleza, en la que prevalecen los colores que el Mediterráneo le inspira y le aporta como recurso meramente necesario para que la abstracción hermética retorne en expresiones inimaginables y que, como un gran mago, nos regala en forma concreta.

Retador incansable de la experimentación e investigación pictórica sus obras revelan un lenguaje universal, desde el pasado más prehistórico, imbuido de culturas ancestrales, hasta la contemporaneidad más actual, huyendo siempre de lo superfluo, cómodo y repetitivo. Su cultura del arte contemporáneo es tan sumamente vasta que quien bien le escucha y le observa, capta perfectamente su esencia del conocimiento. Conocer a Fernando y más aún su obra es un privilegio, porque con su expresión verbal transmite esa infatigable esencia de lo eminentemente creativo.

Sus obras se han expuesto en numerosos países como Japón, China, Bélgica, Somalia, Portugal, Italia, Omán, Alemania, Francia, Brasil o EEUU.

MOISÉS BELILTY MOLINOS

Granada

Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño en Cerámica Artística por la Escuela de Arte de Granada y Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Desde hace una década desarrolla su actividad artística y profesional como ilustrador y dibujante de cómics digitales, destacando su labor como colorista para 95Comics (India) colaborando en la serie “Kali” con Abel García (dibujo) y Kumar Chitrang (guión). Además, ha trabajado como dibujante y colorista en diversos números para las compañías Bestoryclub (EEUU), FullMoonMaster (EEUU) y, actualmente, para Tufos (Brasil). En paralelo también ha desarrollado numerosos proyectos de ilustración para particulares.

Lo que propongo con mi trabajo es, en definitiva, una defensa de las fantasías que antes o después nos acosarán a muchos y que pueden constituir una parte activa de la imaginación que quizás no convenga negar a luz de los valores morales que, con estricta claridad, definen lo que es aceptable y lo que no. Después de todo son fantasías y ficciones que pueden resultar liberadoras y útiles para el auto conocimiento.

En cuanto a los aspectos formales que caracterizan mi producción puede apreciarse un interés por la anatomía humana, el paisaje natural, así como por el comportamiento de la luz.

ORGANIZA

MECA Mediterráneo Centro Artístico

www.centromeca.com

CELEBRACIÓN

15 al 17 de diciembre de 2023

LUGAR DE CELEBRACIÓN

K15. Arte Contemporáneo

MECA Mediterráneo Centro Artístico

Los Tablones-Órgiva. Granada

COMISARIOS

Fernando Barrionuevo y Rosa Muñoz Bustamante